¿Docentes preparados para la enseñanza de la educación musical?

Introducción:

Desde hace un tiempo la educación musical ha sido vista como una asignatura de menor importancia, que ocupar un espacio secundario y prescindible en el currículum. Y que muchas veces es utilizada para ejercitar asignaturas como Matemática o Lenguaje y Comunicación, observando las evaluaciones estandarizadas como el SIMCE, dejando en un segundo plano el arte, la música y otros subsectores y áreas del conocimiento, encasillando a la Educación chilena en un sistema poco integral e inclusivo de todas las inteligencias presentes entre los seres humanos.

Lamentablemente, docentes, directivos y apoderados consideran que es un área simplemente recreativa y en algunos casos, una pérdida de tiempo. Lo que nos lleva a preguntarnos, si un factor preponderante para que la educación musical sea tan mal vista es la poca información que se tiene sobre el tema, o la falta de preparación que se recibe en las universidades para impartir esta clase, obligando a los profesores con la especialidad a poder realizarlas.

El presente ensayo pretende profundizar acerca de la importancia de la educación musical, por qué los niños deben aprenderla, en qué áreas favorece el desarrollo integral confirmando la importancia que tiene esta en todo sistema educacional. Además, se intenta visibilizar si los docentes generalistas están preparados para impartir la clase, qué es lo que se necesita y de qué manera puede ser llevado a la práctica, desde nuestro parecer.

¿Docentes preparados para la enseñanza de la educación musical?

La música “es una facultad de la especie humana” (Casas, 2001), por lo que desde siempre ha estado presente en nuestras vidas, y como bien dice Murray Schafer, “nos eleva de nuestro cautiverio vegetal” (Guerrero, 2009), por lo que al no ser considerada en las aulas “representa una mutilación, una negación o cuando menos una distorsión de su identidad” (Guerrero, 2009).

Los niños deben ser expuestos a la educación artística, pues “amplía la imaginación y promueve formas de pensamiento flexible” (Casas, 2001) logrando que mejoren los resultados de aprendizaje en la lectura, matemáticas y en todas las asignaturas escolares, por lo que la educación musical debe apuntar a que los estudiantes “adquieran mayores experiencias y capacidades musicales” (Pascual, 2002), lo cual los ayudara a desarrollar todas sus potencialidades.

En las últimas investigaciones cognitivas, se ha descubierto que “el ser humano equilibrado hace funcionar de manera alternada o simultánea ambos hemisferios” (Pascual, 2002), y en la escuela lo que más se potencia es el hemisferio izquierdo, encargado de las funciones lógico-matemáticas y lingüísticas, en desmedro del hemisferio derecho, donde se encuentra la parte artística y creativa del ser humano.

Es aquí donde la teoría de las inteligencias múltiples de Gardner tiene relevancia, pues plantea que existen 8 tipos de inteligencias, entre las que se encuentra la inteligencia musical, planteando que esta influye más que las otras en “el desarrollo emocional, espiritual y cultural, pues la música estructura la forma de pensar y trabajar” (Pascual, 2002), y no sólo eso, pues cuando “se intensifica el trabajo musical, entra en juego la participación del razonamiento lingüístico y lógico-matemático” (Casas, 2001).

Por lo que la música no es sólo una actividad recreativa, pues estimula diferentes áreas del cerebro ayudando al aprendizaje de una forma mucho más accesible para los estudiantes. A partir de esto es que todo profesor debe estar conciente de dicha realidad en el proceso de enseñanza aprendizaje. Asimismo se valida entonces que esté dentro del programa educativo de toda escuela y todo país.

Esto nos lleva a responder nuestra gran pregunta: ¿Los docentes estamos preparados para la enseñanza de la educación musical? Según Mills (1997) dice que la música es un ramo que puede ser enseñado por cualquier profesor, dado que “disponen de una cantidad de opciones en cuanto a su estilo de enseñanza” (p. 21), por lo que cada docente en su unicidad buscará la mejor estrategia para acercar el contenido a todos sus estudiantes, él “adoptará diversas estrategias de enseñanza en función del estilo de aprendizaje que utilicen los alumnos” (Pascual, 2002) siendo necesariamente el llamado a ser un facilitador y mediador del conocimiento musical y sus alumnos.

Mills (1997) plantea que sería ideal que los alumnos pudiesen aprender la música con su profesor habitual, pues es quién más los conoce y al “darle a su forma de enseñar el sello de su propia personalidad” (Guerrero, 2009), genera un clima agradable de aprendizaje, en donde los alumnos se sienten familiarizados con el método de enseñanza y con la persona que les enseña. Asimismo Schafer (2009) es explícito al decir que el profesor es un simple guía, es más, nos dice que “el maestro debe planificar su propia extinción” pues debe recrear una clase en la que los alumnos sean activos, donde compongan, interpreten y escuchen.

Este punto consideramos que es lo más difícil de lograr, pues en la educación tradicional, se acostumbra a que sea una enseñanza unidireccional, donde es el profesor el que habla y son los alumnos los que en silencio deben escuchar en una relación de constante asimetría de poder y de participación. Es necesario que como docentes mengüemos y que ellos crezcan en conocimiento y desarrollo de habilidades, siempre presentes, pero que ellos sean los protagonistas de su propia historia escolar.

Conclusión:

A partir de lo expuesto, creemos que la enseñanza de la educación musical es esencial para todos los estudiantes, ya que se debe potenciar el desarrollo de todas las habilidades a lo largo de los años de escolaridad, además de exponerlos a toda clase de estímulos, guiándolos en el descubrimiento de sus diferentes capacidades e ir potenciándolas. Muy relacionado con lo anterior, afirmamos que es necesario proponer una nueva educación musical, centrada en el niño como un ser holístico y desintegrable, ya que no es la música por la música, sino estudiar todos aquellos aspectos de nuestra cultura que nos hacen seres humanos y miembros de una comunidad cultural.

También creemos que los profesores carecen de una preparación para la enseñanza de esta asignatura, principalmente porque aún no se ha generado el cambio de mentalidad en el tipo de enseñanza que se debe impartir,  en donde el profesor es un guía, quien mediante las diferentes actividades planificadas sea capaz de generar procesos de aprendizaje y además los niños sean capaces de construir su conocimiento en un ambiente de libertad y de autonomía, sin crear dependencias invalidantes, pero con un apoyo constante en su formación.

           Finalmente, confirmamos una de las preguntas con las que iniciamos e introdujimos este documento, todos los docentes están preparados para enseñar música, sin distinción de capacidades innatas en el área. Solamente debemos ser docentes conscientes de lo que enseñamos y preparados para aprender permanentemente y perfeccionarnos en la enseñanza de todos los campos del conocimiento humano.

Referencias Bibliográficas

Casas, M. 2001. “¿Por qué los niños deben aprender música?”. Colombia Médica.

Garretson, R. 1976. “La música en el plan de estudios de la escuela moderna”. En La música en la educación infantil. Diana.

Guerrero, L. 2009. “Cómo y por qué enseñar música a los niños pequeños. La revolución creativa propuesta por Murray Schafer”. Lima.

Mills, Janet. 1997. “Los profesores de enseñanza básica y la música”. En La música en la enseñanza básica. Capítulo 1.

Pascual, P. 2002. “El niño, sujeto de la educación musical”. En Didáctica de la Música. Editorial Pearson Educación. Madrid.

Ficha Bibliográfica 10: "El método Dalcroze"

Capítulo 5. En Didáctica de la Música.
Autora: Pilar Pascual
Año: 2002
Editorial: Parson

Para Jacques Dalcroze es el hombre con todas sus facultades lo más importante, por lo que intenta poner al individuo en posesión de todos los medios para actuar y reaccionar, ser autónomo y sentir bienestar. En la música se manifiestan todas las facultades humanas. El sonido es movimiento y que el propio cuerpo, a su vez, es movimiento.

Dalcroze nació en Viena, en una familia suiza muy aficionada a la música. Realizó estudios de piano en el conservatorio de Ginebra. Comienza a formar el método pedagógico de solfeo cuando fue nombrado profesor de la Academia de Ginebra. Partiendo de la concepción auditiva y de que un músico no debe ser un brillante intérprete en el sentido mecánico. Inaugura el primer curso de gimnasia rítmica en dicho lugar, por lo que en sus inicios, estaba pensado para adultos, no para niños.

Se imparten diversas enseñanzas que se agrupan en: Cursos para niños de jardín, iniciación a través del movimiento; Cursos para niños de primaria, combinan el ritmo, solfeo e improvisación; Cursos para profesores de Educación infantil; Cursos Académicos para músicos que quieran especializarse en la rítmica.

Los elementos principales son el ritmo, movimiento y la danza, llamándolo Rítmica o Gimnasia Rítmica. Considera al cuerpo como intermediario entre el sonido, nuestro pensamiento y nuestro sentimiento.  A través de la música se favorece la armonización de los movimientos físicos y la capacidad de adaptación. Se quiere favorecer el desarrollo de la motricidad, la capacidad de pensar y el poder de expresión.

La educación por el movimiento es un importante factor de desarrollo y equilibrio del sistema nervioso. La rítmica acostumbra al niño a conocerse a sí mismo como instrumento de percusión, un medio para la expresión emocional.

Dalcroze encuentra que en la educación faltaba algo que desarrollara el oído y los sentidos melódicos, tonales y armónicos. Las cualidades indispensables que la escuela debe desarrollar son la agudeza auditiva, la sensibilidad nerviosa, el sentido rítmico y exteriorizar las sensaciones emotivas.

Es una educación del sentido rítmico-muscular, que trabaja simultáneamente la atención, la inteligencia y la sensibilidad. El cuerpo es un instrumento de interpretación rítmica.

La Rítmica se caracteriza por: desarrollar le oído musical, los sentidos melódicos, tonal y armónicos, a través del movimiento; el cuerpo es el medio de representación del ritmo, melodía, dinámica, armonía y forma; el ritmo es la base del solfeo; apela al esfuerzo personal.

Se desarrolló una tipología de ejercicios en función a los objetivos que se quieran lograr.

• Lograr que el niño tome conciencia de sus propias fuerzas así como de las resistencias que se les oponen a su organismo. El movimiento corporal es una experiencia muscular percibida por un sexto sentido, llamado sentido muscular. Al trabajar con esto ayudará a la toma de conciencia de sus posibilidades y resistencias.
• Dar flexibilidad y perfeccionar los medios físicos. Ejercicios de movimiento que ponen en juego los músculos, las articulaciones y aseguran rapidez y seguridad de reflejos.
• Desarrollar el sentido de equilibrio del cuerpo, para que asegure soltura y elasticidad de movimientos. Se interpretan distintos ritmos.
• Desarrollar el sentido intuitivo de la distancia y una acomodación instintiva de la acción y los movimientos en el espacio, de forma individual y colectiva: líneas, corros, farandolas (puentes y caracoles), parejas, reels (paseos y cadenas). Para la percepción de las nociones espacio-temporales se parte en primer lugar del yo, después del yo con los otros y por último las nociones espacio-temporales.

Este método desarrolla la función auditiva y el análisis de los sentidos rítmicos. 

El instrumento principal es el piano.

Ahora mostraremos algunos videos donde se pone en práctica este método:

Ficha Bibliográfica 9: "El método Kodaly"

Capítulo 6. En Didáctica de la Música.
Autora: Pilar Pascual
Año. 2002
Editorial: Parson

El método que describiremos a continuación fue creado por Zoltán Kodály, a quién se le debe la inclusión

de la música popular en la escuela y el descubrimiento de la importancia del folklore.

El método Kodály trata de desarrollar el oído a través del canto, por lo que la voz es el primer instrumento. Para esto utiliza la música y los cantos populares, ya que ayudan a trabajar la melodía y el ritmo. Se entiende el solfeo como la lectura musical cantada.

El método exige que sea realizado por profesores preparados.

Kodály puso atención al analfabetismo musical, lo que impedía tener una percepción de la buena música. El método se centró en facilitar la adquisición del lenguaje musical y entonación a primera vista.

Las canciones populares son el mejor medio para amar la música, pues es la lengua materna del niño y el principal instrumento es la voz. Además, nos dice que la instrucción coral no ha de apoyarse en la ayuda auditiva del piano sino en la lectura de la música, y que es el xilófono quien verdaderamente ayuda, pero no para apoyar al canto, sino para acompañar las marchas rítmicas de los niños pequeños.

Para llevar a cabo esto, se utiliza:

• Solfeo silábico: Llamado "Do Movile" por Kodály, consiste en que el maestro asigna varias posiciones del do sobre el pentagrama para indicar la primera nota de una melodía o ejercicio.
• Solfeo relativo: Consiste en que todas las escalas mayores y menores tienen un mismo orden de todos los tonos y semitonos, llama a la tónica de cualquier escala do, el cual es movible.
• Solfeo absoluto: Es la capacidad de cantar  cualquier melodía en su clave correspondiente, sea cual sea su sistema modal, tonal o atonal.
• Fononimia: Es un sistema de canto en el que se puede leer mediante signos manuales y no con una forma escrita, cuyo objetivo es educar al niño en una afinación interna auditiva correcta.
• Pentafonía: Kodály utiliza la escala denominada anhemiótica. 

A continuación adjuntamos un video sobre el método tratado.

                                   

Naipe Musical

Este juego se puede desarrollar en NB2, en los cursos de 3° y/o 4° Básico, pues es en este nivel donde aprenden a utilizar las figuras rítmicas.

Objetivos

Los alumnos aprenderán a utilizar las cifras indicadoras en la percusión de distintos compases.

Los alumnos aprenderán a percutir las diferentes figuras rítmicas, comprendiendo el valor que se le da a cada una.

Instrucciones

• Los alumnos se dividirán en grupos de cuatro personas, a los cuáles se les entregará un naipe de 40 cartas y un cuaderno para que lleven la cuenta de las partidas ganadas de cada concursante.
• Deberán elegir quién será el primero en repartir las cartas.
• A cada jugador le corresponderán 10 cartas en cada ronda.
• El profesor dará inicio al juego escribiendo las diferentes cifras indicadoras en la pizarra.
• Los alumnos con las cartas que tienen en sus manos deben formar los compases de acuerdo a la cifra indicada.
• El primero que termina, debe decir el nombre de la cifra indicadora, por ejemplo: dos cuartos (2/4)
• Luego debe percutir correctamente el compás formado para ganar el punto.
• Ganará el juego, quién luego de 7 rondas haya formado y percutido más veces, de manera correcta, los compases.

**Recomendamos la utilización de diferentes obras de música clásica para hacer más ameno el juego, además de ayudar a desarrollar su capacidad de escucha.

Ficha Bibliográfica 8: "El método Orff"

El autor de "El método Orff" plantea que éste se basa principalmente en una triada:  palabra, música y movimiento. Estos elementos se trabajan en dicha metodología a través del ritmo, melodía, armonía y timbre con el fin de desarrollar en los niños una evolución en su educación musical.

Otro aspecto central de Orff es la participación activa de los niños en su aprendizaje. Al considerar al alumno como un ser activo, todo lo que se pretenda enseñar y desarrollar debe estar marcado por este eje, el niño construirá su conocimiento y habilidades guiado por un maestro que intencione y modele el proceso.

Con respecto a lo técnico, podemos señalar que el modelo de enseñanza de la música Orff busca en una primera instancia un descubrimiento de las posibilidades sonoras de su propio cuerpo (palmas, pasos, silbidos, chasquidos), utilización de escalas pentatónicas, utilización de la voz como instrumento predilecto en variados recursos lingüísticos pero dentro de la lengua materna, facilitando así la construcción de sentidos en la música.

La comprobación o evaluación del desarrollo musical de los niños se busca a través de la improvisación musical. Estas improvisaciones demuestran la creatividad de los niños en su formación y a su vez la demostración de la asimilación de los conceptos, habilidades y destrezas ya generadas durante el proceso.

Por último, un gran énfasis de esta metodología es la presencia de los instrumentos creados específicamente para la enseñanza de la música. dentro de estos instrumentos podemos encontrar instrumentos de percusión (metálicos, de madera y membranosos), instrumentos de viento (flauta de pico y dulce) y cordófonos (guitarra, violonchelo, viola) con los que se desarrolla tanto la melodía, interpretación grupal de piezas musicales y el reconocimiento de los diferentes timbres de cada instrumento.

Aquí presentamos algunos vídeos de Orff:

Ficha Bibliográfica 7: "Los instrumentos"

Capítulo 11.
En "Didáctica de la Música para Primaria"
Autora: Pilar Pascual.
Editorial: Pearson
Año: 2002

El texto comienza entregando una primera definición de instrumentos, dada por Don Randel, quien dice que "un instrumento musical es cualquier medio de producir sonidos que sean considerados música por la persona que los produzca".

Dado esto, la autora explicita que cualquier objeto puede ser catalogado como instrumento musical, mientras tenga una intención musical, o si no, pasa a ser ruido o simples vibraciones.

Nos cuenta que el hombre desde siempre ha estado creando instrumentos musicales y que el más antiguo que se conserva es un silbato de una nota de falange de reno (1000 a.C). También, son muy antiguos los instrumentos de percusión y que los litófonos (piedras sonoras) son anteriores al xilófono. 

En la Prehistoria, los tambores se usaban para la guerra, los crótalos y los címbalos para bailar. 

La autora explica que las orquestas sinfónicas son producto de años de evolución musical y que los instrumentos de percusión, en su mayoría de carácter popular, han sido los últimos en incorporarse.

Los instrumentos tienen una gran variedad de clasificaciones, pero acá nos mencionan la clasificación occidental, la cual se basa en la estructura, material de construcción y método de producción de sonido, existiendo tres tipos: Cordófonos, Aerófonos y De Percusión.

Todos estos instrumentos forman parte de las orquestas, donde la autora nos explica que esta palabra proviene orchestra, que designa la parte semicircular del teatro griego, y que es por eso que las orquestas se posicionan de esa forma.

Según el tipo de instrumento y la música que interpretan, existen diversas:

• Orquesta de cámara: Tiene entre 20 y 25 instrumentos. Típica del siglo XVIII.
• Orquesta sinfónica: Integrado por unos 100 instrumentos.
• Cuarteto de cuerda: violín, viola, violonchelo y contrabajo.
• Quinteto: Puede ser de viento, de metal o de cuerda.
• Banda: Formado por instrumentos de viento y percusión.
• Banda de jazz: Conjunto de formación variable.
• Banda de rock y/o pop: teclados, guitarra eléctrica, bajo eléctrico, batería.

También nos cuenta que la música folklórica posee sus propios instrumentos y que se clasifican los instrumentos por su fuente y lugar de origen. Existen instrumentos comunes en todas las culturas y otros están construidos por imitación  de los de cultura urbana o culta. Nos explica que a lo largo de todo el mundo aparecen diferentes instrumentos que caracterizan ciertos lugares, como la balalaika de Rusia, mandolina de Italia, en Europa, como el banjo en América del norte, el charango y el bongo en América del Sur, la lira en África, el quod en los países árabes, el gong de Indonesia, el koto de Japón, en Asia.

Nos habla, además de la importancia de la práctica instrumental, pero que el gran error de los docentes al sobre explotarlo provocan que los niños se desmotiven, en vez de que sea un generador del gusto musical.

Menciona los tipos de instrumentos que debemos presentar en la educación básica, como los instrumentos de percusión corporal, como el chasquido, la voz, las pisadas, etc. Los instrumentos de pequeña percusión, como las claves, pandero, cascabeles o timbales. Los instrumentos de láminas, como el xilófono, metalófono o carillones. Los instrumentos de tradición popular, como la guitarra, la flauta dulce, tambores, panderetas. Los instrumentos de construcción propia, donde la importancia radica en que los alumnos son los protagonistas y podrán comprender su mecanismo. Los instrumentos de orquesta.

Para introducir los diferentes instrumentos a la sala de clase, el profesor debe guiarse por algunos criterios, como:

• Pedagógicos: Criterio de progresión en el aprendizaje y el planteamiento de este, de forma cíclica. Seguir un orden con los estudiantes para que se vayan encantando con la música.
• Específicamente musicales: El nivel musical de los alumnos condicionan el tipo de instrumento y actividad a desarrollar.
• De intereses de los niños: Apunta a ir acorde a las etapas de desarrollo y como ir desarrollando el gusto musical en los diferentes ciclos.

Finalmente, nos dice que pese a la metodología seleccionada por el docente, que en la gran mayoría es la de Orff, se deben enseñar siempre los elementos de las piezas, como la melodía, ritmo, forma, etc.; y los distintos procedimientos para acceder a esta, como la imitación, la lectura musical, la canción y la improvisación.

Ahora, compartiremos un video que muestra como las educadoras y los niños trabajan con los instrumentos de percusión corporal:

Ficha Bibliográfica 6: "Cómo y por qué enseñar música a los niños pequeños: La revolución creativa propuesta por Murray Schafer"

Autora: Luis guerrero Ortiz.
Año: 2009.
Lugar: Lima, Perú.

El autor de este análisis, acerca de la creación pedagógica de Murray Shafer, nos sitúa en lo que él considera como un cambio en la perspectiva de la enseñanza de la música. Ya que la música es parte del desarrollo y desenvolvimiento natural del ser humano y no una sutileza estética solamente. Debido a esta condición intrínseca de la música es que no puede dejarse de lado en la formación integral de cada niño y niña que se educa para ser un ciudadano responsable y pleno.

Una vez definida la naturaleza de la música y del arte en general, es que toma importancia definir el cómo enseñarla, Margaret Mead nos aporta una gran distinción en las perspectivas pedagógicas que han existido históricamente y como hemos pasado de una cultura Postfigurativa, en donde el saber adulto se impone y transmite a las nuevas generaciones; a una cultura Prefigurativa, en donde tanto niños como adultos aportan en un conocimiento conjunto y destruyendo la asimetría que reinó durante muchos años la pedagogía. Desde la mirada Prefigurativa, la atención se pone de lleno en que cada persona sepa descubrir sus habilidades e intereses y saber ponerlos en juego a través de procesos tan activos y colaborativos como gratificantes.

Murray Schafer propone una enseñanza de la música en donde los niños descubran el paisaje auditivo de su entorno, además de descubrir su potencial creativo en una vinculación permanente con otras artes, sin que la música esté aislada, ya que jamás lo ha estado, salvo en la educación musical tradicional. En esto, el papel del maestro es decisivo, ya que no se trata de traspasar contenidos abstractos y que teóricamente sean acordes a las normas musicales, sino "enseñas idiosincrásicamente" dándole su propia forma y matices  a su forma de enseñar, aportando con un sello de su propia identidad.

Acá hay un vídeo, en español de Murray Schafer:

http://www.archivosonoro.org/?id=257

Ficha Bibliográfica 5: "El niño, sujeto de la Educación Musical. Desarrollo evolutivo en relación con la Educación Musical"

En "Didáctica de la Música para primaria"
Capítulo 2
Autora: Pilar Pascual
Año: 2002
Editorial: Pearson Educación

En este capítulo, los autores intentan responder a las siguientes preguntas: ¿qué concexiones sensorio-motoras y cerebrales se establecen en la audición y la interpretación musical?, ¿cuál es la relación entre música e intelecto?, ¿el talento musical nace o se hace?, ¿cómo se adquieren las destrezas musicales?, ¿por qué existen diferencias entre capacidades musicales de niños y niñas?, entre otras.

La psicología aplicada a la Música

La autora nos plantea que es muy importante conocer la psicología del niño, pesepsicología de la música, pues se ha ocupado muy poco en comprender la conducta de esta.
a esto, hay muy pocos estudios sobre la

A pesar de esto, se ha estudiado un poco y a continuación nombraremos los diferentes puntos de interés analizados con respecto a este tema:

• La importancia del sentido rítmico, explica que el ritmo se manifiesta espontáneamente a través del movimiento y la palabra. La falta de sentido rítmico (arritmia) es interpretada como señal de retraso o deficiencia psíquica. Además, Muller-Freienfels (1959) admite que los efectos rítmicos afectan más a la reacción motora que a la sensorial, y que la música se vive también a través del movimiento.
  
• El C.I de la Música, a partir de esto nace la interrogante si es medible, a lo que la autora explica que se puede medir a través de la observación de la conducta, donde algunos teóricos estipulan que la música es analizable en sus partes y componenetes, mientras que otros plantean que la música constituye una unidad y que la aptitud musical es una capacidad única. A lo que se ha llegado a acuerdo es que estas pruebas no vinculan aspectos emocionales, por lo que no se sabe si los niños disfrutan de esta.
  
• La génesis de las capacidades musicales, se plantea que los niños que nacen con capacidades innatas para la música si no son expuestos a ambientes favorables no podrán desarrollar sus capacidades, así mismo, los niños poco dotados si no son expuestos a este mismo tipo de ambientes no realizará grandes progresos, por eso la importancia de la educación a la hora de propiciar ambientes favorables.
  
• Música e inteligencia, abarca principalmente la teoría de las inteligencias múltiples de Gardner y la importancia que tiene la inteligencia musical para el desarrollo emocional, espiritual y cultural.
  
• Música y cerebro, apuntan principalmente a que los últimos descubrimientos sobre el cerebro afirman que un ser humano equilibrado es quien ocupa ambos hemisferios, y es el derecho en donde se encuentra la emoción musical, por lo tanto el docente debe encontrar diversas estrategias que potencien la utilización de ambos hemisferios, así mejoraran el intelecto y aprendizaje de los alumnos.
  
• Diferencias debidas a la variable sexo, explican que no hay diferencias a nivel psicológico en el área musical, pero si los hay a nivel social. Es por eso que se ven más niñas cantando, pues se considera algo femenino. Además, las mujeres poseen mayor dominancia del hemisferio izquierdo y los hombres del hemisferio derecho.

Desarrollo de las capacidades musicales

El sonido y la música ejercen una atracción importante en los pequeños. Esto comienza desde el periodo de gestación, donde el embrión comienza a desarrollar el oído, respondiendo a los sonidos externos e internos. Luego, una vez fuera del vientre materno y conforme va creciendo, el bebé tiene reacciones orgánicas frente a los diferentes estímulos musicales, por lo que reacciona rítmicamente, imita las canciones, canta, repercute, distinguen la música del ruido. Por lo mismo, uno de los factores primordiales en esta etapa es la atmósfera musical que lo rodea.

Al iniciarse en el colegio, son expuestos a otras vivencias musicales, lo que va nutriendo sus conocimientos previos, nutriéndose tanto de los conocimientos de sus compañeros como del mismo profesor.

Además, los niños quieren integrarse más en el hacer que sólo en el escuchar, por lo mismo las actividades que se planteen deben ser muy activas.

De esta forma, se adaptarán los contenidos a los estados evolutivos, por lo que los niños llegarán a ser capaces de identificar ritmos más complejos, darán su valor individual, reconocerá compases, comenzarán a formar sus gustos musicales.

 

Actividades que los ayudarán a interesarse en la vida de los compositores, apreciarán obras de larga duración y seguirán consumiendo todo lo que el medio les puede dar para ser aumentando su repertorio musical y de esa forma ir afianzando sus propios gustos.

Aquí les dejamos un video que ilustra la etapa de desarrollo de los seres humanos que consideramos importante tener en cuenta:

Ficha Bibliográfica 4: "¿Por qué los niños deben aprender música?"

Autora: María Victoria Casas

Año: 2001

Publicado: Revista Digital Colombia Media, n° 004

Lugar: Cali, Colombia

Los niños deben aprender música de manera temprana puesto que los distintos aprendizajes y formas de acceder al conocimiento pueden verse favorecidos, pues amplía la imaginación y promueve formas de pensamiento flexible.

Diversos estudios descubrieron que la educación musical mejora el aprendizaje de lectura, lengua materna y extranjeras, matemáticas y todas las áreas del conocimiento en general.

Además, la teoría de las inteligencias múltiples , planteada por Howard Gardner, afirma que la inteligencia musical influye en el desarrollo emocional, espiritual y corporal del ser humano, además de estructurar la forma de pensar y trabajar.

La autora explica que el músico o estudiante de música puede componer (crear), interpretar (re-crear) o escuchar simultáneamente. Para llevar a cabo esto es necesario contar con tres componentes de la inteligencia musical: Componente afectivo, componente sensorial y componente formal. Por esto mismo, según Delors, la educación debe estructurarse en torno a 4 aprendizajes: Aprender a conocer, aprender a hacer, aprender a vivir juntos y aprender a ser. En el proceso educativo se considera tres de estos planos: el cognitivo, el afectivo y psicomotor.

Por lo que los niños deben aprender música, como bien lo afirma Suzuki, por la búsqueda de un mejor ser humano que explora todas sus capacidades, puesto que ayuda a la formación física y motora del niño, al desarrollar el sentido del ritmo; se desarrolla la escucha consciente, al enseñar a escuchar el ritmo, melodía, armonía, tono, etc.; ayuda al autoestima del niño, pues le enseña a valorar sus destrezas.

La música es parte de nuestra vida cotidiana y se encuentra presente en todas las actividades de la cultura del hombre, por lo que todos los niños en condiciones normales tienen la opción de iniciarse en el mundo de la música.

Finalmente debemos comprender que la música es vida y que el ser humano es la máxima expresión de la vida, por lo que podemos usar la música como fin o media para armonizar todas nuestras dimensiones.

A continuación dejamos algunos videos que explicarán un poco más sobre las inteligencias múltiples y la inteligencia musical:

Inteligencias Múltiples

Inteligencia Musical

Ficha Bibliográfica 3: "Didáctica de la Expresión Musical"

En Fundamentos Didácticos de las áreas curriculares.

Capítulo 5

Autoras: Julia Bernal Vázquez y María Luisa Calvo Niño.

Año: 2000

Las autoras presentan  en un comienzo, “la Carta Europea de la Educación Musical” presentada el 29 de septiembre de 1991, en la que se indica que “la cultura musical existe gracias a las personas que se interesan por una experiencia personal. El derecho democrático a la educación incluye el derecho a la experiencia artística”. Considerando a la música con un doble propósito, por un lado preservar y reforzar las tradiciones locales, regionales, nacionales y de Europa; es decir, rescatar la cultura europea y construir la identidad del ciudadano europeo  y también asegurar a los niños y niñas la experiencia de un proceso armonioso de desarrollo. 

Introducidos en el tema de la música y cómo es considerada en Europa, Vázquez y Calvo presentan significados de la música, pasando de la concepción etimológica griega y latina (musa y musite) a la perspectiva más difundida de “arte de combinar sonidos” lo que incluye un desarrollo de la percepción auditiva, sensaciones, comprensión del oyente por ejemplo. 

Luego, se explica históricamente la importancia de la música en las diferentes sociedades. Es así como analiza diversas corrientes del origen de la música, como la de Darwin que asocia la música a la expresión de los animales y sus sonidos de apareamiento. Además, variados autores  relacionan el lenguaje, su nacimiento y evolución con la correspondiente evolución de la música como expresión para-verbal y de expresión como necesidad humana. A si mismo, destaca la preeminencia de la música en la sociedad griega, romana y posteriormente en la Edad Media, en donde la música era parte de lo que se enseñaba en las escuelas y era considerada como un eje principal en la sociedad producto de su función, social, moral, ética, pedagógica, científica, matemática entre otras. Dentro de este apartado, se presenta una evolución temporal de la música en Europa, llegando a las expresiones contemporáneas y la influencia que ha tenido en ella la evolución de la tecnología y de los sentidos que tiene la música. 

Luego de la evolución histórica las autoras presentan una concepción de la Didáctica de la música que combina tanto los conocimientos del área musical como de la pedagogía misma y sus correspondientes metodologías, técnicas, procedimientos y formas de enseñarla en el ámbito educativo formal. También, apoyando esta definición de la Didáctica de la expresión musical o de la música, se plantea la influencia de la “escuela nueva” en la concepción de la música como parte de la educación integral, objetivo de dicha rama pedagógica y que ésta debe estar centrada en la búsqueda de sentidos por parte de los alumnos y preeminentemente activa, ya no instructiva en una jerarquía con el docente, sino en la que el alumno es el protagonista y debe explorar, investigar, descubrir por sí mismo y por sobre todo emplear sus recursos con el fin de desarrollar su creatividad.

Finalmente Julia Bernal y María Luisa Calvo explicitan tanto la evolución de la educación musical en España y cómo está estipulado en el currículum de ese país dicho sector de aprendizaje. En cuanto a la educación inicial, la Expresión Musical está dentro del área de Comunicación y Representación, con el fin de que los niños y niñas adquieran progresivamente la capacidad para comunicar y representar mediante la música y además, una manera de acceder a su cultura y las formas en que ella se ha desenvuelto en los dos aspectos mencionados. Se incluye

en esta etapa, como en todas las posteriores la concepción de la música como un disfrute y que puedan desarrollar su propia voz como instrumento al cantar siguiendo ritmos y entonaciones variadas como otras partes de su cuerpo, objetos habituales y otros instrumentos básicos, pero siempre con el fin de disfrutar, explorar, elaborar y expresarse.

En la educación primaria, la música está comprendida en el área de Educación Artística junto a las artes plásticas y la dramatización. En esta etapa la educación de la expresión musical está centrado en dos ejes, la percepción y su desarrollo y la expresión de ideas y sentimientos a través de la música interpretada y creada por ellos mismos. Es así como en España se pretende que los niños y niñas se preparen como intérpretes, auditores y receptores; realizadores expresivos y creativos, así como conocedores de las técnicas presentes y el lenguaje musical propiamente tal. 

La educación secundaria, tiene como principal característica, ser autónoma de otras ramas del arte y se centra en tres ejes principalmente, en una primera instancia desarrollar en los jóvenes la música, considerada como un lenguaje con el poder de comunicar, una dimensión estética de la cultura y como un medio de comunicación humana. Esto se lleva a cabo a través de seis bloques: expresión vocal y canto, expresión instrumental, movimiento y danza, lenguaje musical, la música en el tiempo y música y comunicación. Muy unido a esta etapa, existen bachilleratos en música, en donde los jóvenes egresados de secundaria pueden cursar durante dos años, centrados principalmente en la valoración de la música producida en nuestra sociedad y su correspondiente análisis, comprensión, disfrute y valoración y diferenciados formalmente en dos "menciones", una de carácter técnico-instrumental y la otra desde los aspectos científicos y humanistas de la música.

El siguiente video muestra una presentación de un coro infantil:

Ficha Bibliográfica 2: "La Música en el Plan de Estudios de la Escuela Moderna"

Capítulo "La Música en la Educación Infantil"

Autor: Robert L. Garretson.

Año: 1976

Editorial: Diana

Robert Garretson intenta responder en este ensayo dos preguntas. En primer lugar atiende a la interrogante de ¿cuál es la utilidad de la educación musical en las escuelas? Y en una segunda instancia contestar ¿cuáles son las nuevas vías que han planteado los educadores musicales y los que se encargan de lograr estas nuevas metas?

En cuanto a la utilidad de la música, el autor plantea que en el pasado, la educación de la música, buscaba formar una disciplina personal en los alumnos, actitudes deseables según el modelo social imperante y por otra parte considerar al canto y en general a la música como un facilitador de otras características personales ideales, por ejemplo mejorar la postura de los niños y niñas o sensibilizarlos ante la belleza del fenómeno musical. 

A si mismo, Garretson busca actualmente una reconsideración de la música y su enseñanza, centrándola en varios ejes transversales. En primer lugar una perspectiva estética, definida como “el estudio de la belleza en el arte y la naturaleza”, aumentando dicha sensibilidad del sujeto ante la belleza como la principal tarea de la música. En segundo lugar considera la música como un bien de consumo, por lo que los niños y niñas deben ser consumidores inteligentes de música, lo que en la práctica se traduce en generar bastas experiencias en los alumnos de todo tipo de música.

Desde otra perspectiva, el autor considera la expresión y creación en formas tan variadas como sea posible, con el fin de generar habilidades creativas y expresivas en los alumnos. Muy unido a lo ya expresado anteriormente, es esta creación lo que favorece la comprensión de sí mismo, volviendo la música como una parte importante de la creación de la Identidad personal de todos los alumnos y generador de un sentimiento de seguridad en ellos que favorezca su autoestima y autovaloración.

Otra utilidad de la música en la formación escolar de los niños remite al conocimiento de las culturas desde donde vienen las expresiones musicales que oyen. Ya que la música es parte de las culturas y es imposible conocerlas a cabalidad sin analizar y conocer su música y expresión artística.

Otra de las utilidades que presenta Garretson, son las relacionadas con el aspecto físico de los alumnos, puesto que la música favorece aspectos como la postura correcta de ellos, la respiración abdomino diafragmática en las experiencias musicales que tengan. Además existe una utilidad catártica de la música, ayudando a la reducción de las tensiones y facilitando una atmósfera de integración y buen trato entre los estudiantes.

De forma global, el autor plantea que tanto las utilidades psicológicas, físicas, culturales y estéticas colaboran a una utilidad trascendental de todos los niños, ya que en su futuro adulto  deben ejercer de forma responsable su vida como ciudadanos. Esto se fortalece en actividades de cooperación en las que la aceptación de los coetáneos y el reconocimiento de las habilidades personales en un ambiente de respeto y en las que los niños pueden encontrar nuevas amistades y fortalecer las ya existentes. A si mismo, la vida en la sociedad “adulta” exige actividades de recreación como de ocupación laboral, en los que la música puede, mediante una buena iniciación en la infancia, ser parte importante de los niños en su futuro cercano.

Finalmente, Garretson plantea una utilidad terapéutica de la música. En los que problemas como de aprendizaje, sociales, de motivación, emocionales, motores, perceptivos, ortopédicos o de agresividad pueden ser atenuados o tratados mediante la correcta aplicación de la música, tanto en el tipo como en aspectos físicos de la misma.

Para complementar lo leído es que consideramos pertinente ver este video que habla de cómo la música ayuda a construir identidad social.

Ficha Bibliográfica 1: "La Música en la Enseñanza Básica"

Autora: Janet Mills

Capítulo 1: "Los profesores de enseñanza básica y la música"

Año: 1997

Editorial: Andrés Bello

El texto explica que la enseñanza musical debe ser activa, donde se deben realizar actividades de composición, interpretación y creación, que debe ser para todos los niños, enseñada por todos los profesores y por sobre todo, entretenida.

La autora plantea que sería ideal que los niños estudiaran esta asignatura con su profesor habitual, puesto que hay muchas ventajas en aprender con quienes los conocen, pues al aprender con especialistas conlleva a que la música sea vista como algo diferente que solo los profesores con ciertas habilidades puede enseñar.

Explica que uno de los grandes problemas es que los profesores especialistas enseñan la música usando técnicas especializadas, por lo que alejan este conocimiento de los estudiantes, pero pese a saber esto no se opta porque los profesores generalistas hagan las clases por dos principales factores: La poca confianza que estos tienen frente a sus capacidades de enseñanza de esta rama, puesto que no saben tocar algún instrumento o no manejan a cabalidad los conceptos, y que los profesores especializados no cumplen la función de asesores de los profesores menos preparados para que implementen de mejor manera la clase.

Mills nos dice que la gran relevancia de que un profesor generalista se haga cargo de esta clase es que aporta toda su experiencia educativa y sus técnicas pedagógicas, las cuales facilitan el aprendizaje de los niños. Dejando claro que para enseñar música no es necesario saber tocar un instrumento, sino que la importancia es que los niños aprendan y en eso, los profesores habituales son expertos.

Además, la autora explica que el hecho de que esta asignatura sea enseñada por especialistas, aleja la música de los estudiantes, pues la ven como que son sólo algunas personas capaces de lograr estos aprendizajes.

Por todo lo mencionado es que Janet Mills en su libro trata de prestar toda la ayuda pedagógica para que los profesores generalistas sean capaces de enseñar este contenido, para que puedan desarrollar su marco de trabajo y que desarrollen una planificación que se adapte al profesor y al contexto en donde desarrolle la clase.

Ahora les dejamos un video donde se puede apreciar como el profesor quiere lograr que sus alumnos disfruten de la música:

Escuchar, interpretar y crear

¡Bienvenidos a nuestro blog!

Somos Moisés Araneda y Paola Gaete, dos alumnos de Pedagogía General Básica de la Pontificia Universidad Católica de Chile. 

La idea de esta página es compartir con uds. resúmenes y apreciaciones personales frente a diversas lecturas que realizaremos en el curso de Didáctica de la Educación Artística I, además de incluir actividades, ensayos e información que consideremos pertinente con respecto a la Educación Musical.

Esperamos ser un aporte para todos nuestros lectores, que aprendan junto a nosotros y que sus comentarios nos ayuden a crecer como futuros profesionales.

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